El río como
memoria, territorio y encuentro: Cauce, de la artista Ivonne Rodríguez,
es destacado en una nota del diario El Frente, que resalta su vínculo
con Sabana de Torres y las relaciones que emergen entre comunidad, paisaje y
experiencia del río Lebrija.
Te invitamos a leer la nota completa y a seguir descubriendo este proceso artístico: https://elfrente.com.co/propuesta-artistica-cauce-en-el-centro-colombo-americano/
La conversación sobre CAUCE comienza a expandirse más
allá de la sala, encontrando en la prensa otra forma de habitar el territorio.
El medio Vanguardia
realizó una nota especial que presenta el proyecto de la artista Ivonne
Alexandra Rodríguez como una invitación a acercarse al río Lebrija desde una
mirada sensible del territorio, la memoria y la creación colectiva.
La publicación
destaca los materiales, relatos y procesos que dan forma a la exposición,
anticipando parte de las experiencias que podrá encontrarse en la sala del
CCAB.
Te invitamos a leer el artículo completo: https://www.vanguardia.com/entretenimiento/cultura/2026/06/16/el-rio-lebrija-entra-a-una-sala-de-arte-con-barro-madera-y-relatos-de-pescadores/
El Centro Colombo Americano de Bucaramanga continúa fortaleciendo su compromiso con la circulación de las prácticas artísticas emergentes y se vincula a las Exposiciones de Trabajos de Grado de Artes Plásticas IPRED–UIS 2026-1 con la apertura de CAUCE, proyecto de investigación-creación de la artista Ivonne Alexandra Rodríguez.
La exposición surge
de una relación cercana con el río Lebrija y con el territorio de Sabana de Torres,
lugar de origen de la artista, desde donde construye una investigación situada
que reconoce al río no solo como un elemento natural, sino como un espacio de
memoria, identidad y encuentro comunitario. A partir del diálogo con
pescadores, habitantes ribereños y diversos actores del territorio, la obra
recoge relatos, saberes, experiencias y prácticas que han dado forma a la
relación histórica entre la comunidad y el rio.
La obra se
configura como una instalación que reúne elementos vinculados directamente al
territorio: varas de madera utilizadas en la pesca tradicional, intervenidas
con pirograbado a partir de una imagen fragmentada que solo se revela en
conjunto, una atarraya artesanal desplegada en el espacio como presencia
simbólica del oficio pesquero, y registros audiovisuales junto a un paisaje
sonoro del río que invitan a una experiencia inmersiva del territorio a través
de la escucha y la percepción.
El proyecto
incorpora además Manos al Barro, una serie de talleres comunitarios
realizados con niños, jóvenes y habitantes de Sabana de Torres. A partir de
tierras recolectadas en zonas cercanas al río, transformadas en pigmentos y
materiales de creación, los participantes elaboraron piezas que contienen
relatos, recuerdos e interpretaciones del territorio, convirtiendo el barro en
una huella material de la memoria colectiva.
CAUCE propone así una cartografía sensible del
río, donde el arte funciona como herramienta para reconocer y resignificar los
vínculos entre comunidad y territorio, entendiendo el paisaje no solo como
geografía, sino también como memoria viva construida a partir de voces, gestos
y afectos.
Apertura: 19 de junio de 2026
Permanencia: 17 de Julio de 2026
¿Cómo habita un
río la memoria de una comunidad?
El Centro
Colombo Americano de Bucaramanga se suma a la programación de las
Exposiciones de Trabajos de Grado de Artes Plásticas IPRED–UIS 2026-1 con
la exposición CAUCE, proyecto de grado de Ivonne Alexandra
Rodríguez.
Esta
investigación-creación explora la relación entre la comunidad de Sabana de
Torres y el río como territorio de memoria, identidad y encuentro. A partir de
relatos, recuerdos, experiencias y saberes locales, la artista construye una
propuesta que recoge los significados culturales, afectivos y simbólicos que se
han tejido alrededor de este paisaje vivo.
Más que observar
una exposición, CAUCE invita a reconocer cómo los lugares que habitamos también
conservan historias, vínculos y formas de comprender el mundo.
📅 Viernes 19 de junio
🕔 5:30 p.m.
📍 Sala de Arte – Centro Colombo Americano de
Bucaramanga
Los esperamos
para recorrer juntos este cauce de memorias, identidades y encuentros.
Poco a poco la luz comienza a cambiar
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Después de semanas de encuentros, conversaciones, asombro
y cientos de manos construyendo juntas este paisaje compartido, Habitar la sala
llega a su cierre.
Lo que comenzó como un espacio vacío se transformó en un
territorio habitado por niños, jóvenes, docentes, artistas, visitantes y
soñadores que encontraron aquí un lugar para detenerse, participar y mirar el
mundo desde otra perspectiva.
Hoy la sala se prepara para descansar. Las luces se
atenúan, los colores permanecen en la memoria y el paisaje construido entre
todos comienza a despedirse.
Gracias por habitar este proyecto, por recorrerlo,
transformarlo y hacerlo suyo.
Toda despedida es también el comienzo de algo nuevo.
Síguenos en nuestras redes y acompáñanos en las próximas
exposiciones, encuentros y experiencias que seguirán llenando de vida nuestra
Sala de Arte.
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Nos vemos en el próximo paisaje.
En el marco de VisitArte 2026, la experiencia del Centro Colombo Americano
de Bucaramanga continuó su recorrido en la prensa regional, extendiendo el eco
de la Sala de Arte más allá de sus paredes, hasta entrelazarse con el tejido
mismo de la ciudad.
La nota publicada por Vanguardia traza el recorrido de esta edición que
convierte a Bucaramanga en una gran galería abierta. Allí, el Centro Colombo
Americano de Bucaramanga hace parte de una red de espacios que entienden el
arte como experiencia viva y compartida.
Habitar la sala se inscribe en ese movimiento: una instalación que crece con cada visitante y transforma el espacio en una obra en permanente construcción.
Durante el recorrido de VisitArte 2026, Habitar la sala recibió a cientos
de estudiantes que transformaron el espacio a través de sus decisiones,
recorridos y encuentros.
Como memoria de esta experiencia, compartimos una
conversación realizada por el colectivo de difusión cultural 2entes Magazín,
creado por Milton Afanador Alvarado y Jimmy Fortuna, en la que Rosabel Martínez
Pinzón, artista plástica y coordinadora del Área Cultural del Centro Colombo
Americano de Bucaramanga, reflexiona sobre la participación del Colombo en
VisitArte y sobre las ideas que dieron origen a esta instalación participativa.
A través de este diálogo, es posible acercarse a los procesos, preguntas y reflexiones que acompañaron una experiencia que se construyó entre muchas manos, muchas miradas y muchas formas de habitar el espacio.
VisitArte 2026: memoria de una sala habitada
Con este video
cerramos el recorrido de VisitArte 2026 en la Sala de Arte del Centro
Colombo Americano de Bucaramanga.
Queda la memoria
de una semana en la que la sala estuvo viva: habitada por niños, niñas y
jóvenes que la recorrieron, la intervinieron y la transformaron con cada gesto,
con cada decisión, con cada forma de estar.
Entre colores
suspendidos, pliegues y trayectos compartidos, la exposición dejó de ser un
lugar fijo para convertirse en un espacio en movimiento, construido entre
muchos.
Quedan las voces, el juego, la sorpresa, las conversaciones que se dieron entre las formas, y la certeza de que algo permanece incluso después de que la sala se vacía: la experiencia compartida de haberla habitado.
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El 15 de mayo vivimos el quinto día de VisitArte 2026 en el Centro Colombo Americano de Bucaramanga con nuestra exposición Habitar La Sala, cerrando una semana de recorridos, encuentros y experiencias compartidas. Terminamos esta semana con el corazón profundamente agradecido.
Gracias a los
colegios que recorrieron las salas, a los estudiantes que llegaron con
curiosidad y asombro, a los profesores que acompañan y creen en estas experiencias,
al equipo de mediación que sostuvo cada encuentro con sensibilidad y entrega, a
los organizadores que hacen posible este gran circuito cultural y a todas las
salas que abrieron sus puertas para recibir la ciudad desde el arte.
Durante estos días vimos cómo cada espacio se transformó con las preguntas, las miradas, las conversaciones y las emociones de quienes lo habitaron. Habitar la sala creció gracias a cientos de manos que dejaron suspendido algo más que papel: dejaron presencia, memoria y encuentro.
Gracias por hacer
parte de este paisaje compartido.
VisitArte sigue recordándonos que el arte también se construye entre todos.
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El 14 de mayo
vivimos el cuarto día de VisitArte 2026 en el Centro Colombo Americano de
Bucaramanga.
La sala sigue
creciendo, cambiando y sorprendiéndonos. Cada grupo llega distinto. Cada
recorrido abre nuevas formas de habitar este paisaje suspendido. Algunos
atraviesan la instalación en silencio, otros señalan colores, inventan caminos,
se detienen a mirar hacia arriba o descubren que también pueden transformar el
espacio con sus propias manos.
Eso es lo más
hermoso de Habitar La Sala, nunca vuelve a ser la misma.
Gracias a todos los colegios, docentes y estudiantes que siguen dejando su presencia en este territorio construido entre muchos.
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Un territorio que solo existe cuando es
habitado
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Entre papel y gesto, aparece el encuentro
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El 13 de mayo
vivimos el tercer día de VisitArte 2026 en el Centro Colombo Americano de
Bucaramanga.
La sala ya no
pertenece a una sola idea. Cada visitante llega y la habita a su manera. Algunos
recorren. Otros observan en silencio. Otros se detienen, juegan, señalan, se
acuestan a mirar el paisaje suspendido como si estuvieran viendo un cielo
inventado entre todos y ahí aparece la sorpresa.
Habitar la sala cambia con cada cuerpo, con cada gesto y con cada forma distinta de estar en el espacio. El espacio deja de ser una estructura fija y se convierte en una experiencia que se reescribe constantemente con cada presencia y entonces entendemos que el paisaje realmente comenzó a existir cuando alguien aceptó habitarlo.
El tercer día de VisitArte 2026 continúa consolidando una experiencia colectiva donde el espacio se transforma a partir de los encuentros, los recorridos y las múltiples maneras de estar en la sala.
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Cada visita suma una forma distinta de habitar la sala
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Una invitación a ver desde otro lugar
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El 12 de mayo
vivimos el segundo día de VisitArte 2026. La sala sigue transformándose en el Centro Colombo Americano de Bucaramanga.
Cada nuevo
recorrido suma colores, formas y pequeñas decisiones que empiezan a construir
un paisaje compartido.
Hoy más estudiantes
atravesaron este territorio suspendido, dejando su presencia entre caminos de
papel, encuentros inesperados y gestos que convierten el espacio en una
experiencia viva.
Lo que ayer comenzó
como una estructura abierta, hoy ya respira distinto.
El entramado
continúa ajustándose con cada intervención, revelando nuevas formas de habitar
y recorrer la sala.
Y seguirá cambiando
con cada persona que llegue a habitarla.
El segundo día de VisitArte 2026 reafirma el proceso de Habitar la sala como una experiencia en permanente construcción, hecha de encuentros, recorridos y decisiones compartidas.
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El 11 de mayo vivimos la primera
jornada de VisitArte 2026 en el Centro Colombo Americano de Bucaramanga. Lo que
al inicio era un espacio vacío comenzó a llenarse de decisiones, recorridos,
colores y encuentros gracias a la participación de estudiantes del Centro
Colombo Americano y de la Institución Educativa Comuneros.
A través de la instalación participativa
Habitar la sala, niños, jóvenes y formadores transformaron el espacio en un
territorio compartido donde cada pieza suspendida guarda un gesto, una elección
y una presencia. Mediante el plegado de papel, cada participante decidió cómo y
dónde integrar su intervención, contribuyendo a una obra colectiva en
permanente construcción.
Así comenzó a habitarse esta instalación
que seguirá creciendo con cada visitante, cambiando y expandiéndose a medida
que nuevas personas entren a la sala, participen y dejen su rastro en el
paisaje común.
La primera visita marcó el inicio de un proceso que hace visible cómo el espacio se transforma a partir de las acciones individuales y los encuentros colectivos, convirtiendo la experiencia artística en una construcción compartida.
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Lo que antes era un espacio vacío empezó a llenarse de colores, pliegues y decisiones compartidas.
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Antes de recibir a los estudiantes que participaron en
VisitArte 2026, Habitar la sala ya había comenzado a transformarse.
El 21 de abril recibimos a los estudiantes de la Escuela
Municipal de Artes de Lebrija y del Programa de Artes Plásticas y Visuales de
la UPTC, sede Tunja, quienes fueron parte de los primeros recorridos por la
instalación y aceptaron la invitación a construir colectivamente este paisaje
suspendido.
Entre pliegues, recorridos y decisiones compartidas, cada
participante eligió un lugar para su pieza y dejó su rastro en una obra que
desde el inicio fue pensada para crecer a través del encuentro.
Este registro audiovisual conserva la memoria de aquella
jornada y nos permite volver al momento en que la sala comenzó a llenarse de
presencia, color y movimiento.
Los invitamos a ver este recorrido por los primeros pasos de una instalación que, semanas después, continuaría transformándose con la llegada de VisitArte 2026.
Entrar a la sala fue entrar en un espacio todavía abierto. No había una obra terminada esperando ser observada. Había un territorio en construcción esperando ser habitado.
Las primeras piezas aparecieron como gestos pequeños: manos que doblaban el papel con cuidado, miradas que buscaban dónde ubicar una forma recién nacida, decisiones sencillas que empezaban a cambiar el espacio casi sin que lo notáramos. Poco a poco la sala dejó de ser un lugar vacío. Se convirtió en un paisaje.
Las piezas comenzaron a encontrarse unas con
otras: algunas quedaron cerca, otras suspendidas más arriba, otras casi rozando
el cuerpo de quienes caminaban entre ellas. Cada elección fue distinta. Cada
decisión abrió un camino posible dentro de la instalación.
Entonces ocurrió algo importante. Las personas dejaron de recorrer la sala como visitantes. Comenzaron a moverse como habitantes.
El gesto de plegar papel —aparentemente simple—
se transformó en una forma de participar en la construcción de un territorio
compartido. Elegir un color, decidir una altura, buscar un lugar dentro del
entramado no fueron acciones técnicas: fueron formas de dejar presencia.
El paisaje empezó a responder a quienes lo atravesaban. Las piezas se movían suavemente con el paso de los cuerpos. Aparecieron cruces inesperados entre trayectorias. Surgieron proximidades entre personas que no se conocían. La instalación dejó de ser un conjunto de objetos suspendidos y se convirtió en una experiencia viva.
Lo que se imaginó como un ejercicio colectivo se volvió encuentro. Lo que comenzó como una acción sencilla se convirtió en un mapa sensible construido entre muchos.
Mirar hacia arriba permitió reconocer algo más
que papel suspendido: aparecieron constelaciones posibles, caminos compartidos,
pequeñas arquitecturas del cuidado hechas con decisiones mínimas y
significativas.
La sala dejó de ser solo un espacio expositivo.
Se volvió ciudad.
Se volvió casa.
Se volvió recorrido.
Este tipo de activaciones recuerdan que el arte
no siempre aparece como un objeto terminado: muchas veces ocurre como una
relación. Como una suma de gestos. Como una construcción compartida que solo
existe mientras alguien la habita.
Habitar la sala permitió ver con claridad algo esencial: el paisaje no estaba antes. El paisaje nació del encuentro.
Esta sala no está terminada.
La estamos construyendo contigo.
Cada pieza abre un camino posible.
Puedes elegir un color. Puedes elegir una altura.
Puedes elegir un lugar.
Aquí los recorridos se cruzan como en la ciudad como en la
casa como en los lugares que habitamos todos los días.
Cuando entras, el paisaje cambia.
Cuando sales, queda tu rastro.
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VisitArte regresa en 2026 como una
iniciativa de ciudad que articula instituciones culturales para ofrecer a
públicos escolares un circuito de experiencias artísticas.
En esta edición, cada sala de exposición
propone una experiencia distinta, diseñada desde su enfoque curatorial y
pedagógico, permitiendo que los estudiantes recorran múltiples formas de
acercarse al arte, el espacio y la creación.
Lejos de una programación homogénea,
VisitArte se construye como un mapa diverso donde cada institución activa su
espacio desde una propuesta particular, generando un recorrido rico en
lenguajes, metodologías y maneras de habitar el arte.
El Centro Colombo Americano de Bucaramanga
presenta Habitar la sala, una instalación colectiva participativa que
transforma el espacio expositivo en un territorio vivo en permanente
construcción.
A través de una acción simple —plegar
papel—, los participantes crean piezas que se integran a un entramado
suspendido, formando un paisaje tridimensional que crece con cada intervención.
Cada visitante decide el color, la
ubicación y la altura de su pieza, convirtiéndose en parte activa de la obra.
Así, la sala deja de ser un lugar de contemplación para convertirse en un
espacio que se construye colectivamente.
El recorrido invita al movimiento, al
encuentro y a la construcción de relaciones dentro del espacio, haciendo
visible que el arte puede ser una experiencia compartida más que un objeto
terminado.
Apertura: Lunes 11 al viernes 15 de mayo
Permanencia: Hasta el 29 de mayo de 2026
VisitArte 2026 es posible gracias
al trabajo articulado de:
- Cámara de Comercio de
Bucaramanga
- Instituto Municipal de
Cultura y Turismo de Bucaramanga – IMCT
- Teatro Santander
- Centro Cultural Banco de la
República
- Universidad Industrial de
Santander – UIS
- El Libro Total Bucaramanga
- Universidad Autónoma de
Bucaramanga – UNAB
- Museo de Arte Moderno de
Bucaramanga – MAMB
- Centro Colombo Americano de
Bucaramanga
- Alianza Francesa de
Bucaramanga
- El Cartel
El Centro Colombo Americano de Bucaramanga se sumó a VisitArte 2026, una
iniciativa de ciudad que articula instituciones culturales para ofrecer a
públicos escolares un circuito de experiencias artísticas.
Como parte de su participación La Sala de Arte del CCAB presentó Habitar
la sala, una instalación colectiva participativa que transformó el espacio
expositivo en un entorno vivo y en permanente construcción. A través de una
acción sencilla —plegar papel—, cada participante contribuyó a la configuración
de una obra común, integrando su intervención a una estructura tridimensional
que creció con cada visita.
La propuesta invitó a reflexionar sobre el espacio, la interacción y la construcción colectiva, promoviendo experiencias donde el arte se entiende como un proceso de encuentro, participación y diálogo.
Aquí, nada está completamente definido.
Cada pieza abre un camino.
Cada elección transforma el paisaje.
Cada visitante deja su rastro.
La apertura de Retratos hizo
parte de la agenda cultural de la ciudad y recibió cobertura por parte de
medios de comunicación regional.
Mira la nota completa:
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El martes 10
de marzo La Sala de Arte del CCAB se convirtió en un espacio
para mirar de verdad. Estudiantes del Colombo participaron en el taller “La mitad que vemos, la mitad que imaginamos”, una experiencia que transformó la
visita a la exposición Retratos en un ejercicio de observación
y creación.
A partir de
las obras de la exposición, los estudiantes exploraron cómo el arte y el
aprendizaje de un idioma comparten algo esencial: la atención al detalle.
En parejas, observaron cuidadosamente el rostro de su compañero y
dibujaron un retrato completando la mitad que no podían ver, combinando observación,
memoria visual e imaginación.
El resultado
fue una experiencia donde mirar se volvió un descubrimiento. Cada dibujo reveló
que cuando prestamos verdadera atención —a un rostro, a una palabra o a un
sonido— aparecen detalles que normalmente pasan desapercibidos.
Así, la exposición Retratos sigue generando
encuentros entre arte, creatividad y aprendizaje en la Sala de Arte del Colombo
Americano de Bucaramanga.
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Mirar con atención es completar lo que el ojo no alcanza: allí, entre lo visto y lo imaginado, aparece el retrato
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El 28 de febrero los niños del taller
YouMeWe Estudio Creativo visitaron la Sala de Arte del CCAB para recorrer la
exposición Retratos de Esteban Mantilla.
Aunque conocen al artista por su
trabajo en el estudio creativo, encontrarse con sus obras en el contexto de una
sala de exposiciones les permitió acercarse a una dimensión diferente de la
práctica artística: comprender cómo las imágenes dialogan con el público y
construyen nuevas experiencias de observación e interpretación.
La visita incluyó un recorrido guiado y
un taller de creación junto al artista. A partir de las obras observadas en
sala, los participantes exploraron la construcción del rostro mediante el juego
con formas, colores, texturas y composiciones, transformando la experiencia de
mirar arte en un ejercicio de experimentación y creación propia.
Más que una visita a la exposición, la
jornada se convirtió en una oportunidad para descubrir cómo las ideas,
materiales e imágenes pueden abrir caminos para imaginar, construir y compartir
nuevas formas de expresión.
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Entre recortes, colores y miradas curiosas, los participantes descubrieron que observar una obra también puede ser el punto de partida para crear la propia
El viernes 13 de marzo, la Sala de Arte del Centro
Colombo Americano de Bucaramanga acogió una nueva jornada de Retratos en vivo, esta vez junto a
Catalina Ferreira y Juan Sebastián Martínez, integrantes del Colectivo
7puestos.
Durante la actividad, los artistas desarrollaron una obra
de manera conjunta frente al público, compartiendo un mismo espacio de creación
donde el dibujo, el color y el gesto se transformaban continuamente a través de
sus intervenciones. A medida que avanzaba la jornada, la imagen fue revelando
nuevas formas, tensiones y recorridos visuales que daban cuenta de un proceso
abierto a la exploración y el intercambio.
La pintura se construyó a partir de capas, trazos y
decisiones compartidas que permitieron observar cómo una imagen puede
transformarse constantemente mientras encuentra su propia lógica. Entre gestos
espontáneos y elementos estructurales que atravesaban la composición, la obra
fue adquiriendo una identidad propia frente a la mirada de los asistentes.
El viernes 6 de marzo, la exposición Retratos de Esteban Mantilla volvió a activarse en la Sala de Arte del Centro Colombo Americano de Bucaramanga con una nueva jornada de pintura en vivo, esta vez junto a la artista invitada Gabriela Peñaloza Meneses.
Durante la tarde, ambos artistas construyeron una obra de
manera conjunta frente al público, compartiendo un mismo espacio de creación
donde cada intervención abría nuevas posibilidades para la imagen. A medida que
avanzaba la sesión, la superficie fue incorporando pintura, textiles y diversos
materiales, revelando un proceso creativo basado en la acumulación, la
experimentación y el diálogo entre distintos recursos visuales.
La jornada permitió acercarse a la creación artística
como un ejercicio de intercambio y escucha. Entre capas de color, texturas,
gestos espontáneos y momentos de conversación, la obra fue transformándose
continuamente a partir de una construcción compartida que hizo visible la
riqueza del trabajo colaborativo.
Los asistentes pudieron acompañar de cerca las
decisiones, ajustes y hallazgos que surgían durante el proceso, descubriendo
cómo la imagen se construye a través de múltiples capas materiales y
simbólicas. Más que una obra terminada, la actividad permitió presenciar una
experiencia de creación abierta, donde distintas sensibilidades encontraron un
punto de encuentro.
Cuando la pintura sucede en vivo, la sala se transforma
El viernes 27 de febrero, la sala de exposiciones del Centro
Colombo Americano de Bucaramanga acogió la segunda tarde de pintura en vivo,
una jornada especial en la que el artista Esteban Mantilla estuvo acompañado
por el artista invitado Iván Arango. A diferencia de la activación realizada
durante la apertura de la exposición, este encuentro propuso una experiencia de
creación compartida. Frente al público, ambos artistas desarrollaron una obra
en conjunto, permitiendo que los asistentes observaran cómo dos lenguajes,
sensibilidades y procesos distintos podían encontrarse sobre una misma
superficie.
La pintura se convirtió en un espacio de diálogo constante.
Cada intervención daba lugar a una respuesta visual del otro, construyendo una
imagen que se transformaba a medida que avanzaba la jornada. Los visitantes
pudieron presenciar no solo el desarrollo técnico de la obra, sino también las
conversaciones, decisiones y negociaciones que forman parte de un proceso
creativo colectivo. Entre preguntas, comentarios e intercambios con el público,
la actividad abrió nuevas formas de aproximarse a Retratos. La obra dejó de ser
un resultado final para convertirse en una experiencia viva, donde el acto de
crear se compartió con quienes acompañaron el encuentro.
Esta tarde de pintura reafirmó el interés de la exposición
por generar espacios de participación y reflexión alrededor de la imagen
contemporánea, invitando a los visitantes a descubrir la pintura como un
proceso en permanente construcción.
Un momento donde la pintura se comparte y el retrato se expande más allá del marco.
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La inauguración de Retratos estuvo acompañada por una experiencia que permitió a los asistentes acercarse al arte desde una perspectiva poco habitual: observar una obra en construcción. Durante la noche de apertura, Esteban Mantilla realizó una sesión de pintura en vivo en la Sala de Arte del Centro Colombo Americano de Bucaramanga, compartiendo con el público un proceso creativo que normalmente ocurre en la intimidad del taller.
Frente a los visitantes, la imagen fue transformándose gradualmente a través de capas de color, gestos y decisiones que revelaban la manera en que el artista construye sus obras.
La actividad despertó la curiosidad de los asistentes,
quienes pudieron seguir de cerca cada etapa del proceso mientras dialogaban con
el artista sobre sus referentes, inquietudes y búsquedas creativas. Este
encuentro permitió comprender que la obra no solo existe en su resultado final,
sino también en el recorrido que hace posible su aparición.
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Entre trazos, conversaciones y miradas atentas, la
creación se convirtió en una experiencia compartida.
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Como antesala a la apertura de la exposición Retratos de Esteban
Mantilla, estudiantes del Centro Colombo Americano de Bucaramanga participaron
en una jornada especial de pintura en vivo que les permitió acercarse de manera
directa al proceso creativo del artista.
La actividad se desarrolló en la Sala de Arte del CCAB,
donde los asistentes tuvieron la oportunidad de observar cómo una obra toma
forma desde los primeros trazos hasta la construcción de una imagen más
compleja. Durante la sesión, Mantilla compartió reflexiones sobre su práctica
artística, habló sobre las ideas que alimentan su trabajo y respondió las
inquietudes de los estudiantes, generando un espacio de intercambio abierto y
enriquecedor.
Más que una demostración técnica, la jornada se convirtió
en una experiencia de mediación artística que permitió comprender que detrás de
cada obra existe un proceso de exploración, observación y toma de decisiones.
Los estudiantes pudieron apreciar cómo el artista construye capas, incorpora
elementos visuales y transforma continuamente la imagen mientras esta se
desarrolla.
La jornada de pintura en vivo permitió que Retratos trascendiera los límites de la exposición para convertirse también en una oportunidad de aprendizaje, conversación y encuentro alrededor del arte.
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Una oportunidad de
aprendizaje, conversación y encuentro alrededor del arte
El pasado 19 de febrero, la Sala de Arte del Centro
Colombo Americano de Bucaramanga abrió sus puertas a Retratos, la
exposición de Esteban Mantilla.
La inauguración reunió a estudiantes del CCAB, artistas, gestores culturales y público general en un espacio de diálogo y descubrimiento, donde las obras propusieron múltiples formas de acercarse al retrato como género artístico. A través de imágenes cargadas de símbolos, superposiciones y transformaciones, la exposición invitó a reflexionar sobre la identidad, la memoria y las múltiples capas que conforman la experiencia humana.
Durante la jornada, los visitantes pudieron recorrer la exposición a su propio ritmo, deteniéndose en los detalles de cada pieza y estableciendo relaciones entre las obras, los símbolos y las narrativas presentes en la muestra. La cercanía con el artista permitió además comprender cómo cada obra surge de una búsqueda constante en torno a la representación del rostro y las posibilidades expresivas del retrato contemporáneo.
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Gracias a quienes nos acompañaron.
Muy buenas noches.
En nombre del Centro Colombo Americano de Bucaramanga, de nuestra Junta Directiva, del doctor Ramón —director ejecutivo—, y en el mío propio como coordinadora cultural, les damos la bienvenida y agradecemos su presencia en la apertura de nuestra agenda cultural 2026.
Iniciar el año con una exposición que no solo hace
apertura a una programación, sino que activa una conversación sobre la pintura,
el gesto y la identidad contemporánea.
El retrato, durante siglos, obedeció. Obedeció a la semejanza, a la identidad, al reconocimiento. Aquí, el retrato ya no obedece. No quiere parecerse a nadie.
En esta sala, el rostro no nace del contorno perfecto ni de la fidelidad. Nace del estallido. Del gesto. La pincelada en la obra de Esteban no es adorno. Es impulso. Es un cuerpo que se lanza sobre la tela y deja rastro. Color contra superficie. Materia contra materia. Un gesto. Otro. Otro más. En esa suma — que podría parecer caótica — comienza a aparecer algo. Una frente insinuada. Una sombra. Una boca que apenas se sostiene. No es identidad. Es presencia. Aquí el soporte no es fondo. Es piel. Es resistencia. Es parte activa de la imagen. Es campo de batalla y al mismo tiempo territorio fértil.
Cada rastro de color deja memoria. Cada corrección deja herida y de esa suma de gestos emerge un ser que no necesita nombre porque no necesita explicación. En sala, estos rostros no están solos. Se agrupan. Se multiplican. Se convierten en una multitud silenciosa que nos mira. Un gran cuerpo hecho de fragmentos.
La destreza de Esteban Mantilla no está en controlar el gesto, sino en permitir que, dentro de su furia, aparezca algo inevitable: un rostro que insiste en existir. Retratos no es representación. Es aparición. Y la pintura, aquí, no ilustra. Respira. Por eso, esta exposición no se queda en las paredes. Hoy veremos al artista pintar en vivo. No como una demostración técnica, sino como un acto de aparición. La pintura sucediendo frente a nosotros y este gesto continuará.
Durante todos los viernes que dure la exposición, esta sala contará con un espacio especialmente dispuesto para que Esteban pinte en vivo. La obra seguirá creciendo, transformándose, respirando ante quienes decidan regresar y presenciar el proceso.
Porque Retratos no es una serie cerrada. Es un proceso abierto. Y ese carácter abierto es también el espíritu del Centro Colombo Americano de Bucaramanga.
Esta sala es un territorio de encuentro: entre artistas y
públicos, entre tradición y contemporaneidad, entre pensamiento y emoción.
Iniciar nuestra agenda cultural 2026 con esta exposición
es afirmar que el arte sigue siendo un espacio necesario para preguntarnos
quiénes somos y cómo nos representamos.
Gracias por acompañarnos.
Gracias por confiar en este espacio cultural.
Bienvenidos a esta multitud de presencias.
Bienvenidos a la pintura cuando todavía está ocurriendo.
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Retratos, la nueva exposición de Esteban Mantilla, es la mirada de una cabeza tachada. Invadida por ciertas obsesiones. Aquí nada está limpio. Cada rostro funciona como una interfaz de aquello que está por venir. Entre animales, símbolos, patrones, restos de dibujo, gestos rápidos y líneas que tiemblan, Mantilla logra que las facciones se rompan y que por esas heridas brote la luz. Aquí no hay miradas fijas. Hay capas. Golpes visuales. Memorias mezcladas con ficción, colores con delirio, observación con rabia. El retrato, en la obra de Esteban, no es una superficie estable. Es un campo de experimentación. Un territorio saturado en donde las imágenes se interrumpen y se contradicen. Allí conviven ciertas fantasmagorías. Ciertas hibridaciones. Los rostros que componen este paisaje se observan desde adentro como identidades abiertas, como mapas incompletos. Superficies donde el dibujo actúa como introspección y como registro del conflicto. El resultado es un retrato expandido. Una imagen que no busca cerrar sentido, sino activar una travesía visual donde el sujeto aparece como una construcción múltiple, atravesada por texturas, tensiones y ruidos.
El Centro Colombo Americano de Bucaramanga inicia su
agenda cultural 2026 con Retratos, la nueva exposición del artista bumangués
Esteban Mantilla, una propuesta pictórica que desestabiliza la idea tradicional
del rostro y lo convierte en un territorio de tensión, memoria y
transformación.
En esta serie, el retrato no aparece como una imagen fija ni como
una identidad cerrada. Los rostros son atravesados por capas de color,
símbolos, patrones y gestos que interrumpen la representación clásica. Cada
pintura funciona como una superficie en conflicto: una cabeza tachada, invadida
por obsesiones, donde las facciones se fragmentan y, por esas grietas, emerge
la luz.
El texto curatorial, escrito por John F. Galindo, señala que en esta obra “el retrato no busca cerrar sentido, sino activar una travesía visual donde el sujeto aparece como una construcción múltiple, atravesada por texturas, tensiones y ruidos”. Así, la imagen se convierte en un campo de experimentación, un espacio donde conviven memoria y ficción, observación y delirio.
La práctica de Mantilla dialoga con la materialidad y la
artificialidad del color. Su trabajo se mueve entre la intuición del gesto y la
precisión técnica, enfrentando materiales y superficies para producir imágenes
que no solo representan, sino que generan presencia. Más que ilustrar un
rostro, sus pinturas expanden la experiencia perceptiva y cuestionan cómo
construimos identidad en un mundo saturado de imágenes.
La apertura de la exposición será también una experiencia viva: el artista realizará una pintura en tiempo real, permitiendo al público acercarse al proceso, a la tensión del trazo y a la construcción misma de la imagen. Este gesto convierte la inauguración en un acto performativo donde el retrato se activa frente a los espectadores.
Apertura: Jueves 19 de febrero de 2026.
Permanencia: Hasta el 20 de marzo de 2026.
Esteban Mantilla (Bucaramanga, 1984) es artista plástico
y gestor cultural. Administrador de Empresas por la Pontificia Universidad
Javeriana y formado en artes plásticas en la Academia de Artes Guerrero, ha
desarrollado una práctica centrada en el dibujo, la pintura y la exploración
del retrato contemporáneo. Ha sido beneficiario de becas de circulación del
Ministerio de Cultura e IDARTES y ha participado en exposiciones individuales y
colectivas en Colombia, España, Estados Unidos y Perú. Entre 2015 y 2023 fue
gestor y codirector del espacio autogestionado Espacio Poderoso en Bucaramanga
y, entre 2017 y 2021, de 101 Estudio en Bogotá.
Sigue al artista en sus redes:
Facebook: https://www.facebook.com/esteban.m.tarazona
Instagram: https://www.instagram.com/estebanmantillat/
El Centro Colombo Americano de Bucaramanga reafirma su compromiso con la circulación del arte contemporáneo y la creación de espacios de encuentro entre artistas y públicos. Retratos es una invitación a observar el rostro desde la complejidad, a presenciar el proceso creativo y a habitar el arte como experiencia viva.
El Centro Colombo Americano de Bucaramanga inicia su programación cultural 2026 con Retratos, la nueva exposición del artista Esteban Mantilla.
En esta serie, el retrato deja de ser una imagen fija para convertirse en un territorio de gesto, memoria y transformación. Capas de color, tachaduras y trazos superpuestos construyen rostros que no buscan identidad cerrada, sino presencia. Cada obra surge de la tensión entre impulso y precisión, entre materia y soporte, donde la pintura no solo representa: acontece.
La apertura marcará también el inicio de una acción que acompañará la exposición: el artista pintará en vivo en la sala, trasladando su taller al espacio expositivo. Esta práctica continuará durante la permanencia en sala, permitiendo al público regresar y presenciar el proceso creativo mientras sucede.
Más que una serie de cuadros, Retratos se presenta como un gran cuerpo de obra: una multitud de presencias reunidas en sala que dialogan entre sí y con quienes las observan.
📅 Jueves, 19 de febrero de 2026
🕔 5:00 p.m.
📍 Sala de Arte – Centro Colombo Americano de Bucaramanga
🎟 Entrada libre
Con esta exposición, el Centro Colombo Americano de Bucaramanga reafirma su compromiso con el arte contemporáneo como experiencia viva, espacio de encuentro y diálogo cultural.
¡Los esperamos!
EXPOSICIÓN. EL CAMINO DE LA CABRA. TALLER DE BLEACHING.
INTERVENCIÓN DE FOTOGRAFÍAS CON CLORO
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Exposición El camino de la Cabra. Proyecto ganador de la Beca Arte en Circulación 2025 del Instituto Municipal de Cultura y Turismo de Bucaramanga.
Taller de Bleaching: Intervención de fotografías con cloro
En el marco de la exposición El camino de la cabra. Farmacopea cromática del Chicamocha, se llevó a cabo un taller que permitió a los asistentes acercarse a los procesos experimentales detrás de la obra de Carlos Pimiento Serrano (@carlosochentaynueve).
El artista dirigió una sesión práctica en la que exploramos el uso del cloro como agente creativo para transformar la imagen fotográfica.
Lunes 24 de noviembre
10:00 a.m. – 12:00 m.
Centro Colombo Americano – Bucaramanga
Entrada libre con inscripción previa
Una experiencia para observar el color desde la transformación, la química y el azar.
EXPOSICIÓN. EL CAMINO DE LA CABRA. FARMACOPEA CROMÁTICA DEL
CHICAMOCHA. CARLOS PIMIENTO SERRANO
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EXPOSICIÓN. EL CAMINO DE LA CABRA. FARMACOPEA CROMÁTICA DEL
CHICAMOCHA. CARLOS PIMIENTO SERRANO
Carlos Pimiento Serrano (Bucaramanga, 1989)
Carlos Ulloa Rivero (Bucaramanga, 1987)
Laboratorio Creativo de Santander - LACSA (1987)
El Laboratorio Creativo de Santander–LACSA es una asociación sin ánimo de lucro creada en el año 2020 por cinco gestores y artistas de Bucaramanga. Su objetivo es incentivar y fortalecer procesos de creación, circulación y gestión independiente y colaborativa en el área de la cultura. A la fecha, el equipo de LACSA ha liderado o participado en más de cuarenta proyectos y producciones de distinta índole, entre las que se incluyen proyectos editoriales, exposiciones artísticas, conciertos, realizaciones audiovisuales, conversatorios y talleres tales como la feria de editoriales independientes Voces Feroces, el festival Euforia, el festival Auroras entre otros. Cuenta con un brazo editorial con 7 trabajos impresos a la fecha.
El camino de la cabra. Farmacopea cromática del Chicamocha.
Exposición de fotografía
Centro Colombo Americano
21 de noviembre al 05 de diciembre 2025
Hace tres años la vocación del fotógrafo santandereano Carlos Pimiento Serrano por documentar el cañón del Chicamocha se vio interrumpida por una crisis emocional que terminó en el diagnóstico de un trastorno de bipolaridad. En el duelo por aceptar esta nueva realidad y por batallar con los efectos secundarios de las drogas psiquiátricas, Pimiento decide cambiar su enfoque documental por uno más artístico: abandona la fotografía digital, y comienza a fotografiar y experimentar con películas de 35 mm a color. Con el pasar de los años, las experimentaciones con rollos forzados o vencidos, las intervenciones con químicos y la impresión sobre superficies artesanales, se transformaron en fármacos no convencionales, en una “farmacopea cromática” que le permitió a Carlos llegar hasta la aceptación de su nueva realidad, una en donde la idea de soltar el control y la resiliencia ante el fracaso debían ser puntos cruciales. La fotografía documental dio paso a la exploración artística en medio de la soledad, la aridez y la majestuosidad del cañón. Esta exposición se suma a la memoria cultural que tenemos de este rasgo geográfico tan nuestro, visto ahora como un camino hacia la aceptación y la calma, oscilando a cada paso con la recaída y los prejuicios sociales que acompañan a los diagnósticos psiquiátricos, paradójicamente cada vez más esparcidos en la población joven de nuestra ciudad. Se trata de una cura a través del color, y de aprender a abrirse paso por entre abismos, como las cabras.
TALLER DE BLEACHING.
INTERVENCIÓN DE FOTOGRAFÍAS CON CLORO. EXPOSICIÓN EL CAMINO DE LA CABRA
Taller de Bleaching
Intervención de fotografías con cloro
En el marco de la exposición El camino de la cabra. Farmacopea cromática del Chicamocha, les invitamos a explorar los procesos experimentales detrás de la obra de Carlos Pimiento Serrano @carlosochentaynueve quien dirigirá este taller práctico sobre el uso del cloro como agente creativo en la fotografía.
Lunes 24 de noviembre
10:00 a.m. a 12:00 m.
Centro Colombo Americano – Bucaramanga
Entrada libre con inscripción previa
Formulario: https://forms.gle/kLN2iVMizdMaKWLy9
Una experiencia para mirar el color desde la transformación, la química y el azar.
Proyecto ganador de la beca Arte en Circulación, 2025 del @imct
EXPOSICIÓN FOTOGRÁFICA. EL CAMINO DE LA CABRA. CARLOS
PIMIENTO SERRANO
A veces el camino que creemos seguro se desvanece bajo los pies. Y ahí, en el filo, te das cuenta de que el error no fue equivocarte de ruta, sino creer que había una sola.
Carlos Pimiento Serrano lleva años fotografiando el Chicamocha. Pero esta vez no documenta el cañón: deja que el cañón lo documente a él en su trámito por el duelo.
Rollos vencidos. Químicos impredecibles. Negativos que se revelan solos, como quien aprende a soltar el control y aceptar el cambio.
Con mucho cariño presentamos esta exposición fotográfica del fotógrafo bumangués Carlos Pimiento Serrano, curaduría de Carlos Ulloa Rivero.
EL CAMINO DE LA CABRA
Farmacopea cromática del Chicamocha
📍 Centro Colombo Americano, Bucaramanga
🗓 Nov 21 - Dic 5
🎬 Inauguración + charla: Nov 21, 7pm
Proyecto ganador de la beca Arte en Circulación, 2025 del @imct
CIERRE EXPOSICIÓN "SAGRADO POP". MARÍA MERCEDES
SÁNCHEZ
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Sagrado Pop: Pedid y se os dará
Hasta el 31 de octubre, la Sala de Arte del Centro Colombo Americano de Bucaramanga abre sus puertas para recibir a todos los visitantes que aún no han vivido la experiencia de Sagrado Pop, una exposición que combina lo espiritual, lo cotidiano y lo popular en un lenguaje visual cargado de color, ironía y simbolismo.
Con la premisa “Pedid y se os dará”, la muestra invita a reflexionar sobre las formas en que la cultura popular ha reinterpretado lo sagrado, transformando imágenes y objetos en vehículos de deseo y memoria colectiva. Cada pieza convoca al espectador a una experiencia íntima y participativa, donde lo divino se mezcla con lo humano y lo espiritual dialoga con lo contemporáneo.
La exposición propone un recorrido que no solo apela a la mirada, sino también a la emoción y la curiosidad. No permitas que otros te cuenten cómo se vive Sagrado Pop — ven, recórrela y crea tu propia experiencia.
Sala de Arte del Centro Colombo Americano de Bucaramanga
Hasta el 31 de octubre
LA MEMORIA SEMBRADA EN UNA INSTALACIÓN SOBRE EL
DESPLAZAMIENTO FORZADO. EXPOSICIÓN PROYECTOS DE GRADO
La artista Santandereana Ros Nuby, presenta Esto aquí y
entonces, una instalación que transforma su historia de desplazamiento forzado
en una obra de arte sobre la memoria, el duelo y el conflicto armado en
Colombia. Unos rectángulos de tierra dispuestos como sepulturas. En
silencio, sin nombres, sin cruces. Solo la forma pura del duelo y la ausencia.
Así comienza Esto aquí y entonces, la instalación de la artista santandereana
Ros Nuby Sanabria, una obra que transforma el dolor del desplazamiento forzado
en un acto poético de memoria.
"Aquí y Siempre": Dos Miradas Desde El Arte Sobre
La Memoria, El Desarraigo y Los Vínculos Que Perduran
PROYECTOS DE GRADO 2025. ARTES PLÁSTICAS UIS
El Centro Colombo Americano de Bucaramanga abre sus puertas a la creatividad emergente con “Membrana” y “esto, aquí y entonces”, exposición de trabajos de grado 2025-1 de estudiantes de Artes Plásticas de la Universidad Industrial de Santander.
Las artistas Andrea Melissa Garcés y Ros Nuby Sanabria presentarán
sus obras en la apertura oficial el viernes 13 de junio a las 6:00 pm en la
Sala de Arte del Centro Colombo Americano.
🧠 Membrana, de Andrea
Melissa Garcés, nos habla de la fragilidad de la memoria a través de lenguajes
íntimos, sensibles y poéticos.
🌍 esto, aquí y entonces,
de Ros Nuby Sanabria, nos confronta con el desplazamiento forzado desde la
memoria del cuerpo y el territorio.
🗓️ Apertura: viernes 13
de junio | 6:00 pm
📍 Sala de Arte del Centro
Colombo Americano (Cra. 22 #37
-74)
📅 Abierta hasta el 13 de
julio de 2025
🎟️ Entrada libre
Organiza:
🖼️ Centro Colombo
Americano de Bucaramanga
🎓 Programa de Artes
Plásticas – Universidad Industrial de Santander (UIS)
Una alianza que celebra el arte como forma de pensamiento,
testimonio y transformación social.
Ros Nuby Sanabria Vargas
Sobre su obra:
“Esto, aquí y entonces“ 2025
Es un proyecto artístico que aborda el desplazamiento forzado a causa del conflicto armado interno colombiano, así como las consecuencias y traumas que deja en las personas víctimas, en algunos casos con secuelas que permanecen toda la vida.
La propuesta busca no solo visibilizar lo ocurrido ante el público, sino también permitir una forma de catarsis frente a la experiencia vivida.
La obra se materializa en una instalación compuesta por tres piezas artísticas que abordan distintos aspectos de la experiencia del desplazamiento.
Una de ellas representa el municipio donde se vivía antes
del desplazamiento forzado y la
otra, la ciudad donde se reside actualmente como consecuencia de este. También se incluye un video que recorre el municipio del que fuimos desplazados por el conflicto, que conserva recuerdos significativos del pasado. Además, se elaboran rectángulos de tierra en forma de sepultura que simbolizan las personas fallecidas, víctimas del conflicto en este territorio.
Para el desarrollo de la propuesta se realizaron exploraciones de referentes artísticos, así como de memorias personales y colectivas relacionadas con el conflicto, tanto propias como de otras personas. Todo este proceso concluye en una instalación que reúne piezas con el objetivo de mostrar al público lo sucedido en este lugar y las marcas que deja el desarraigo.
FEBRERO 2025
Juguete, por Margarita Mantilla Zafra
Juguete
es una propuesta de creación artística que tiene como propósito desarrollar
visualmente algunas de las escenas de un enunciado ficcional que intercepta
temáticas como el paisaje urbano, sus recorridos, y la soledad. La premisa
sugiere la presencia de un caminante solitario que recorre la ciudad y observa
obsesivamente sus paisajes, testigo único de que la Luna está próxima a
colisionar contra la Tierra. Evocando emociones y estados psicológicos de
melancolía, desahucio y soledad, y, teniendo como principal enfoque técnico y
de producción la animación análoga, articulando la impresión digital para
alcanzar potencialidades expresivas a través del uso juguetes ópticos.
Estará
disponible desde el 4 de febrero, con apertura a las 6:30 pm, hasta el 25 de
febrero de 2025, en el horario de 8:00 am a 12:00 m y de 2:00 pm a 7:00 pm, de
lunes a viernes y los sábados de 8:00 am a 12:00 m.
Los talentosos
artistas Luisa Fernanda Giraldo y José Ricardo Contreras comparten su
experiencia en el 18º Salón Regional de Artistas de la Zona Oriente:
"Cartografía (incompletísima) de la Zona Oriente 2023-2024". Además,
el museógrafo Dago Alexander Rivera nos ofrece un vistazo al montaje en la sala
de arte del Centro Colombo Americano Bucaramanga.
El Grupo Curatorial TRIA habla sobre la propuesta realizada para el Salón Regional de Artista, que en esta ocasión llega a su edición número 18. Conformado por Jimmy Humberto Fortuna Vargas, Martín Alonso Camargo Flórez y Milton Afanador Alvarado, este colectivo, encargado de la curaduría de la Zona Oriente, presenta una propuesta que busca articular las múltiples perspectivas de la producción cultural y artística de la región mediante un enfoque interdisciplinario.
Luisa Giraldo (Pamplona)
Primitiva Afluencia. Los nacimientos de la anaconda
Obra que explora la relación entre
la humanidad y los ríos desde la ecología profunda y la ecopolítica. Utilizando
prácticas performativas y ejercicios psicogeográficos, Giraldo reflexiona sobre
la naturaleza como sujeto de derechos y la conexión de la especie humana con
los ecosistemas acuáticos.
18 Salones Regionales de Artistas
Región Oriente
El Centro Colombo Americano de Bucaramanga será el escenario de la 18ª edición del Salón Regional de Artistas de la Zona Oriente, que se presenta bajo el tema "Cartografía (incompletísima) de la Zona Oriente: 2023-2024".
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Organizado por el Grupo Curatorial Tría, conformado por:
Este evento ofrecerá una experiencia visual y conceptual centrada en las expresiones artísticas contemporáneas de Norte de Santander y Santander.
La apertura se llevará a cabo
el viernes 18 de octubre a las 6:30 p. m., y contará con un conversatorio ese
mismo día a las 5:30 p.m., en el que participarán los curadores y los artistas
Luisa Giraldo (Pamplona), Juan Carvajal (Cúcuta) y José Ricardo Contreras
(Bucaramanga).
Durante esta charla, se
abordarán diversas perspectivas sobre el arte regional, la construcción de
identidades y el impacto del arte en la transformación social.
El 18º Salón Regional de
Artistas de la Zona Oriente estará abierto al público hasta el 19 de noviembre
de 2024. Su objetivo es reflejar la diversidad y la riqueza de la producción
artística de la región, adoptando un enfoque interdisciplinario que resalta la
relevancia del arte como herramienta de resistencia y diálogo.
La muestra incluirá obras de
destacados artistas que exploran temas como la memoria, la identidad, el género
y las tradiciones culturales, ofreciendo una visión singular sobre la evolución
del arte en el Oriente colombiano.
Artistas Participantes
Luisa Fernanda Giraldo Murillo (Pamplona) “Primitiva
Afluencia. Los nacimientos de la anaconda”
La obra de Luisa Fernanda Giraldo Murillo, "Primitiva Afluencia. Los nacimientos de la anaconda", reflexiona sobre la relación entre la humanidad y los ecosistemas acuáticos. A través de su enfoque en la ecopolítica y las Artes Vivas, Giraldo investiga los derechos legales de los ríos, considerándolos como sujetos con una existencia propia. Su trabajo aboga por una mayor conciencia sobre la Tierra como el único hogar disponible para todos los seres vivos, manteniendo la esperanza de restaurar la armonía natural.
La artista utiliza gestos
performativos y ejercicios psicogeográficos para establecer una conexión
emocional y material con los cuerpos de agua. Su práctica incluye caminatas que
le permiten explorar diversas geomorfologías de ríos y lagos, creando un
vínculo con estos entornos. "Primitiva Afluencia" invita a sembrar el
cuidado hacia los cuerpos de agua mediante ceremonias colectivas, evocando la
valentía de la Anaconda y desafiando nociones preestablecidas sobre nuestra
relación con la naturaleza.
Juan Carvajal Franklin (Cúcuta) "Entre el Duelo y la
Reparación”
Esta instalación
plástico-literaria de Juan Carvajal aborda el duelo y la reparación en el
contexto de la memoria histórica del corregimiento de Bochalema, Norte de
Santander. La obra explora los actos materiales y simbólicos que compensan la
ausencia de lo perdido, reflexionando sobre el impacto del conflicto en la
comunidad local. A través de páginas demarcadas de color verde, se desglosa la historia
del corregimiento, sus cultivos y su ancestral oficio de alfarería.
Carvajal dignifica la memoria
histórica, desafiando estigmas y promoviendo una identidad en una región
marcada por la complejidad del duelo y la necesidad de reparación ante la ausencia
material y simbólica. Su participación en el proyecto "El libro ladrillo:
verdad, dignidad y reconocimiento en Norte de Santander" resalta la
realidad de familiares de víctimas de desaparición forzada, facilitando un
diálogo profundo sobre la sensibilidad del territorio y sus habitantes.
José Ricardo Contreras (Bucaramanga) "Fragmentos
de la Memoria: Querencias"
La instalación de José Ricardo
Contreras combina maquillaje sobre concreto y repisas de madera, reflexionando
sobre la memoria y la migración. Su obra explora la nostalgia y la historia del
desplazamiento del campo a la ciudad, abordando cuestiones de pertenencia y
pérdida. A través de un viaje temporal de archivos fotográficos, Contreras
selecciona imágenes del pasado agrario, creando piezas de maquillaje sobre
concreto que iluminan la experiencia de una sociedad que ha vivido esta
migración.
Con un enfoque melancólico y
consciente de los "futuros perdidos", su trabajo celebra la memoria y
reconoce que la totalidad del relato es inalcanzable. José Ricardo, Maestro en
Bellas Artes de la Universidad Industrial de Santander, ha desarrollado una
práctica artística diversa que incluye pintura, fotografía e instalación,
indagando en la relación entre las imágenes y la percepción de la realidad. Su
obra ha sido reconocida con premios que destacan su talento y su compromiso con
el arte y la memoria histórica.
SEPTIEMBRE 2024
El Curador Camilo Chico Triana, habla sobre la obra de Ana Mosseri y su Exposición "perenne", la cual estará en la sala de arte del Centro Colombo Americano de Bucaramanga hasta el 4 de octubre y hace parte del Circuito 3 de Salas Abiertas y Visitarte 2024. Aquí conoceremos algunos detalles en el proceso de creación que la artista tuvo en este proyecto.
AGOSTO 2024
La talentosa artista Ana Mosseri, invita a explorar su trabajo y sentir la misma emoción que experimentó al verla en la sala de arte del Centro Colombo Americano de Bucaramanga. Esta exposición ofrece una fascinante exploración de la naturaleza a través de la mirada única de Ana sobre el magnolio, un árbol perennifolio que evoca serenidad y eternidad.
El diario Vanguardia visito la sala de arte del Centro Colombo Americano de Bucaramanga, la periodista Paola Esteban estuvo conversando con la talentosa artista Ana Mosserri, quien le comento la experiencia y el proyecto de investigación que tuvo durante dos años para realizar "perenne", obra que estuvo influenciada bajo la observación de un árbol el cual siempre mantuvo su follaje.
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La luz perenne
El concepto
“tiempo” simplemente denota –o más bien plantea– una condición o estado o flujo
–lo que sea– en el que el cambio ocurre. Sin tiempo, no hay cambio. Philip K. Dick
Detrás de un edificio, un árbol posa su
existencia en medio de una grama diseñada para su compañía, no está sólo, a su
alrededor conviven otros árboles que son visitados por las aves que buscan
habitarlos en todo momento. Aquel árbol que parece un magnolio también
es hogar de ardillas y es visitado por los humanos que no se percatan de su
existencia, pues su unicidad hace parte de lo que entendemos como paisaje,
aquel que en términos generales permanece inmóvil, pero que sutilmente cambia.
Sobre sus formas se concentra la mirada de Ana Mosseri, quien ha decidido
entablar un diálogo con él, pues le recuerda el entorno de su infancia rodeada
de magnolios en aquel lugar que habitó en ese momento.
Cada día, en cada espacio de tiempo que
puede, la artista emprende su recorrido hacia el árbol para preguntarle por sus
cambios, algunas veces pocos, otras veces dramáticos, y para ello lo mira en
distintos momentos del día cada vez que va. Con la suerte de que en la luz
encuentra la esencia misma de la presencia del árbol, pues aunque se sabe que
es el mismo árbol, la luz de la mañana lo lustra diferente a la de la tarde, y
qué decir en la noche. En el transcurso de los días, las semanas y los meses,
él le recuerda que la luz cambia al igual que su temperatura, lo que le obliga
a cambiar, sus hojas a veces son verdes, pero ellas también se secan, se caen,
cada tanto florece, cada tanto no tiene hojas.
Y es en aquellas
apreciaciones de la luz sobre el entorno, que Mosseri incurre en una alta
experimentación de medios, para tratar aquellas ideas del tiempo que se
configuran alrededor del paisaje como aquello que aparentemente es perenne,
continuo o eterno si se quisiera llegar a ello. Las herramientas de observación
utilizadas aquí son la pintura, el video, el dibujo digital y la literatura, resaltando
allí las diferentes relaciones que cada medio puede tener con la luz. Es así
que mientras en el video la luz es capturada a través de dispositivos
electrónicos, para luego ser transmitida por instrumentos eléctricos y
magnéticos propios de la tecnología del siglo XX; en el dibujo digital la luz
que emana la pantalla simula cualquier color posible, cuando realiza sus
representaciones a través del iPad, invención de este siglo.
Sin embargo otros
tiempos se generan por la comprensión de la luz explorados a través de la
pintura y la literatura, en la primera, por su propia naturaleza líquida, la
superposición de capas pictóricas sobre lo claro u oscuro, percepciones que se
obtienen por la reflexión de la luz sobre la naturaleza de las superficies, nos
denota los momentos del día en que ella mira el árbol, mientras que en la
literatura la presencia de la luz suspendida del recuerdo (aquella perenne,
inmóvil e inmortal), la motivan a imaginar “el árbol rosado”, que completa sus observaciones,
llevando al espectador a concluir que aquello que permanece eterno es la luz,
aquella que configura el paisaje y todo aquello que podemos ver.
El Centro Colombo Americano de Bucaramanga invita a la apertura de la Exposición “perenne” de la reconocida artista plástica, curadora y docente Ana Mosseri.
Fecha: Jueves 15 de agosto de 2024
Hora: 6:00 p.m.
Lugar: Sala de Arte del Centro Colombo Americano
de Bucaramanga
Exposición "perenne"
La idea de "perenne" nació de una serie previa
titulada "Cerezos en Flor", en la que un árbol rosado llamó la
atención de Ana Mosseri, frondoso y vibrante, su belleza le ofreció una excusa
perfecta para pintar. Comenzó a realizar bocetos del árbol en su iPad,
experimentando con los colores y las estaciones del año. Esta serie de esbozos
incluyó representaciones tanto con hojas como sin ellas, y le llevó a un proceso
de observación detallada del magnolio, el verdadero árbol en cuestión.
El magnolio, a diferencia de un cerezo, es perennifolio porque
mantiene su follaje a lo largo de las estaciones. Esta característica inspiró a
la artista a titular su obra "perenne", reflejando la idea de que, a
pesar de los cambios estacionales, el árbol sigue manteniendo su presencia.
Mosseri realizó una investigación minuciosa del magnolio en distintas
estaciones: en invierno sin hojas, en primavera con flores rosadas, en verano
verde, y en otoño con tonalidades que varían desde el amarillo hasta el rojo.
Esto le permitió combinar elementos de la naturaleza con su interpretación
personal sobre cómo los árboles cambian y permanecen al mismo tiempo.
La creación de "perenne" tomó aproximadamente
dos años. Este período incluyó la etapa inicial de contemplación del árbol, el
descubrimiento de que no era un cerezo sino un magnolio, y la transición desde
una serie de cerezos en primavera a enfocarse únicamente en el magnolio.
Ana, inicia su proceso creativo con dibujos digitales en
iPad, que luego transfiere a pinturas en óleo. La preparación de las
superficies es fundamental, ya que cada lienzo — ya sea de lino, algodón o con
diferentes tipos de yeso — afecta la forma en que el color se comporta y se
percibe. La aplicación del color sigue un enfoque específico: se parte de un
color base que refleja el árbol en cuestión y se añaden capas para crear
vibraciones y contrastes que enriquecen la obra.
En este proyecto, el paisaje sigue siendo el protagonista
central, reafirmando la constante en la obra de Ana Mosseri. La exposición se
enfoca en la naturaleza, con un énfasis particular en los árboles y paisajes,
manteniendo la línea temática que ha caracterizado su trabajo en años anteriores.
La muestra incluye una serie de dibujos digitales y
ampliados en medio pliego, así como pinturas en óleo con dimensiones de 120 por
150 cm. En total, esta obra presenta siete piezas en óleo y entre doce y
catorce dibujos. Además, contiene un cuento infantil ilustrado con las imágenes
de iPad, donde se evidencia cómo fue esa observación, lo que añade una
dimensión narrativa a la exposición. La artista lo expresa de esta manera: “Yo
repito un poco el proceso de una expresión que hice donde trabajé con el curador
Camilo Chico también en La Casita que se llamaba Disco de Newton y que es todo
un estudio de la teoría del color que también había realizado cuando fui
profesora de pintura”.
La aplicación del color en esta exposición se caracteriza
por la preparación meticulosa de las superficies: se utilizan lienzos de lino y
algodón, así como yesos de diferentes colores (transparente, negro y blanco).
Esta perspectiva permite que el color se comporte de manera única en cada
superficie, creando efectos de vibración que enriquecen la percepción de la
obra.
Dentro del proceso de creación lo que más tiempo le tomó
a Ana Mosseri fue la pintura, procedimiento que considera particularmente largo
y meticuloso. Destaca que la pintura exige un compromiso profundo, donde cada
etapa demanda tiempo y dedicación, lo que hace que el trabajo final sea un
reflejo de un extenso desarrollo creativo.
En relación a cómo inició su vínculo con la pintura fue tras
regresar de la universidad, en una etapa en la que, según confiesa, estaba
decidida a no seguir ese camino. Sin embargo, su fascinación por una clase de
grabado la llevó a pedirle a su madre, la renombrada Ana Mercedes Hoyos, que le
enseñara a pintar. El legado de Hoyos, quien siempre estuvo rodeada de arte,
influyó profundamente en Mosseri, llevándola a sucumbir a la pasión por la
pintura que había estado latente en ella.
En cuanto a sus referentes artísticos, menciona a David
Hockney, Alex Katz y los pintores de la escuela del Hudson como influencias
significativas en su obra. Estos artistas, conocidos por su enfoque en el
paisaje realista, han dejado una marca en su trabajo. A pesar de que la pintura
ha sido considerada por algunos como un género en declive, Ana siente que la
pintura sigue siendo una forma de resistencia artística, con un grupo de
artistas que persiste en su práctica a pesar de las tendencias cambiantes.
La exploración del dibujo digital por parte de Ana surgió
cuando le pidió a sus hijas que le enseñaran a utilizar el iPad, ya que
descubrió que artistas como David Hockney ya utilizaban esta tecnología. Este
nuevo medio le ha permitido replicar la efectividad de sus bocetos en gouache y
acuarela, pero con una mayor eficiencia, facilitando su evolución creativa y
expandiendo sus herramientas artísticas.
Ana Mosseri se define a sí misma como pintora, una
elección que refleja su perspectiva particular sobre el arte. Para ella, la
distinción radica en la diferencia fundamental entre los pintores y los artistas
conceptuales. Mientras que estos últimos suelen buscar justificar su trabajo a
través de discursos políticos o contextos vigentes. Los pintores, se dedican a
observar y representar la realidad tal como la perciben. En su visión, la
pintura se basa en el uso del color y los pigmentos pictóricos para expresar la
realidad, sin la necesidad de contextualizaciones externas.
En cuanto a su trayectoria expositiva, ha mostrado su
trabajo en diversas galerías de Bogotá, tanto en exposiciones colectivas como
individuales. Ha participado en espacios reconocidos como la Galería El Museo,
la Galería Mesón y la Galería Nueveochenta. Además, ha realizado una exposición
institucional en La Casita y ha presentado su obra en la Galería Nora Jaime en
Cartagena.
Ana explica acerca de los libros infantiles: “Los libros
infantiles son como los catálogos de algunas exposiciones, y me encanta
escribir un cuento para justificar las ilustraciones”. Desde pequeña tuvo el gusto por la tira
cómica, del cual dice ser fanática de Peanuts (también conocida como Snoopy,
Rabanitos, Charlie Brown o Carlitos), y manifiesta poder haber materializado
ese sueño.
En cuanto a la influencia del trabajo de su madre, Ana
Mercedes Hoyos, Mosseri reconoce que, aunque su estilo es distintivo, ha habido
una influencia palpable en su enfoque hacia el paisaje. A través de su trabajo
en la catalogación y análisis del legado de Hoyos, ha observado un interés
compartido en el paisaje, particularmente desde una perspectiva pop. Elementos
como el verde y las montañas, que eran prominentes en los trabajos tempranos de
Hoyos, han dejado una huella en la obra de la artista, aunque interpretada a
través de su propio lente artístico.
Ana Mosseri: Trayectoria
Nacida en Bogotá en el año de 1969, hija de la célebre y
ya fallecida pintora, escultora y representante del arte abstracto y figurativo
Ana Mercedes Hoyos y el arquitecto Jacques Mosseri.
Su tránsito artístico se extiende por más de 30 años, es
conocida por su profundo compromiso con el arte y la educación. Además de su
destacado recorrido artístico ha desempeñado un papel fundamental en la gestión
y producción de obras de arte, así como en la edición de libros especializados
en la materia.
Gestora del taller de grabado y serigrafía 25C, un
espacio fundamental para el desarrollo del arte gráfico contemporáneo. Su
formación académica incluye estudios en Historia del Arte y Literatura en la
Fundación Ortega y Gasset en Toledo, España; realizó cursos de historia del
arte, filosofía y antropología y estudió la carrera de Filosofía y Bellas Artes
en la Universidad de Los Andes en Bogotá. Además, obtuvo un BBA en Mercadeo de
Diseño de Parsons School of Design en Nueva York, en 1996, y también fue
docente de pintura en la Universidad de Los Andes. Esta rica combinación de
conocimientos y experiencia se refleja en su trabajo artístico, que profundiza
en la permanencia y la transitoriedad en la experiencia humana y artística.
Juan Carlos Sánchez Pérez
Prensa CCAB
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Augusto Ernesto Vidal Mantilla, pintor y artista autodidacta nacido en Bucaramanga el 17 de mayo de 1950, ha dedicado más de medio siglo a exhibir su talento innato. Con más de 50 años de experiencia, ha cautivado a audiencias con 20 exposiciones individuales, la mayoría de ellas en su ciudad natal. Además, ha participado en 104 exposiciones colectivas en diversas localidades del Departamento de Santander, así como en Bogotá D.C., Norte de Santander, Ibagué, Cali y Santa Clara (Cuba).
A lo largo de su
trayectoria, ha compartido su conocimiento a través de la enseñanza en 5
Talleres de pintura y arte ecológico, entre otros. Su destacado trabajo ha sido
reconocido en 12 ocasiones, siendo el más reciente en 2023 por su contribución
a la Imagen Oficial del 40 Festival Internacional de Piano UIS en Bucaramanga.
El estilo de
Augusto es un universo único creado por él mismo. Su arte es un diálogo íntimo
entre el trazo, los materiales y la composición, revelando atmósferas que son
genuinamente suyas. Es un reflejo auténtico de su visión del mundo, una expresión
personal que lo distingue y lo identifica.
Augusto Vidal no
solo pinta, sino que interpreta el mundo a través de su propio lenguaje
artístico, ofreciendo una perspectiva particular de la realidad que lo rodea.
Juan Carlos Sánchez Pérez
Prensa CCAB
El Centro Colombo
Americano de Bucaramanga, da apertura a la exposición “entorno” del maestro
Augusto Vidal, un artista cuya obra representa la esencia misma de los entornos
urbanos. “su taller es más que un lugar físico; es el epicentro donde convergen
todas sus experiencias, aprendizajes y aspiraciones, dando vida a su arte”.
Este nuevo proyecto, surge como la culminación de años de exploración en las
calles, buscando capturar la esencia de los entornos invisibles y cotidianos.
Es la primera exposición del año, compila obras de renombrados maestros y artistas locales y nacionales que, a lo largo de estas décadas, han contribuido generosamente con parte de su legado durante su participación en la sala de exposiciones. Está disponible desde el 15 de febrero hasta el 15 de abril de 2024, en el horario de 8:00 am a 12:00 m y de 2:00 pm a 7:00 pm de lunes a viernes y los sábados de 8:00 a 12:00 m.
La exposición presenta una colección curada meticulosamente que incluye 105 obras, ofreciendo un recorrido desde 1997 hasta el presente. Los visitantes tendrán la oportunidad única de sumergirse en una variedad de estilos como: pintura, dibujo, fotografía, grabado, escultura, acuarela, objeto intervenido, impresión digital, cerámica y collage. Técnicas y temáticas que reflejan tanto la diversidad del talento artístico como los cambios culturales y sociales que han influido en el arte contemporáneo.
LOS ARTISTAS HABLAN
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